NATURALEZA, ARTE Y ESTRUCTURA

Pilar Lara es una ceramista de hoy que trabaja con las técnicas de siempre. De formación principalmente alfarera, va creando su obra mientras asiste a cursos y talleres especializados de maestros de la cerámica como Ángel Garraza, María Oriza, Ana Medinilla, Alfonso D’ors, Marta Armada o Ana Felipe entre otros. A lo largo de su trayectoria ha tratado de investigar con la forma, lo que le ha permitido alcanzar la pureza de líneas que caracteriza su obra. La textura y el color también son clave, lo que motiva una continua búsqueda a través de diferentes materiales, como la delicada porcelana, el gres o el barro refractario, que a su vez combina con otros materiales: esmaltes, puntillas, hilos de cobre, etc. El resultado son piezas en las que plasma su dialogo con el entorno, y que están totalmente impregnadas de sus vivencias.

 “Observar la tierra, las rocas, la vegetación y la totalidad de los seres vivos, crea un conjunto de imágenes sensoriales que hacen que formemos parte de ellos. Profundizar en estas imágenes, me permite extraer las formas que el orden estructural de la naturaleza me ofrece en todo su entorno: arquitectura, simetría, luz, color” (Pilar Lara)

Passer es un proyecto que fusiona el arte y la naturaleza, en busca de una propuesta de moda y decoración sostenible y de residuo cero.

Creamos prendas y complementos con tejidos naturales que teñimos y estampamos utilizando únicamente elementos vegetales y orgánicos.

Principalmente trabajamos con sedas y algodones y usamos también telas procedentes de ajuares antiguos y algodones reciclados.

Recolectamos y cultivamos las plantas con las que trabajamos elaborando los tintes 100% naturales y los estampados botánicos.

Passer Nature es algo más que un trabajo artesanal, es un estilo de vida consciente.

@ceramicamediterraneo es el espacio creativo de Simone Pastafari. Una casa taller donde puedo realizar diferentes creaciones mezclando tierra, agua y fuego.

La cerámica artesanal es aún ese espacio donde la Tierra y el Agua  se unen al toque personal de cada persona  y  la magia del Fuego trasforma la creación en algo casi eterno.

He descubierto la cerámica hace mas de 20 años, cuando llegue a Altea para un proyecto de voluntariado europeo.

Ahora después de muchos mandalas y mosaicos exploro otros campos de la cerámica.

En estos días, una casa taller y un horno de gas me dan la comodidad de poder dedicar cada vez mas tiempo a este arte que con los años me tiene cada vez mas enamorado. Ahora los mosaicos encuentran sitio junto a piezas utilitarias y pequeñas esculturas con el Mediterráneo como horizonte.

He escuchado decir que la cerámica artesanal es como una poesía que se puede tocar.

Estoy agradecido de poder tener la suerte de ser ese poeta día tras día.

 El Mediterráneo es el horizonte.

Edgardo Mora Vergara es inventor, creador y diseñador multidiciplinar. “Robot It’s Alive es un atelier creativo único, donde la magia de la transformación da vida a criaturas extraordinarias. Utilizando materiales reciclados y desechados, inicio un proceso de metamorfosis que, impulsado por la imaginación y la paciencia, culmina en la creación de seres fascinantes.
Este proyecto artesanal nació en mi hogar en 2013. Con los escasos recursos disponibles, la primera criatura, llamada STRIKE ONE, surgió como chispa inicial de esta aventura creativa. Desde entonces, Robot It’s Alive ha continuado evolucionando, 4 generaciones de criaturas han pasado por mis manos, esto me ha permitido explorar nuevas formas y posibilidades, y demostrando que la belleza y la funcionalidad pueden encontrarse en los objetos más inesperados.”
Luz y sonido es la última generación, la siguiente… esta de camino.
Piezas del mundo, diseño español.

Enrique “Gothimeow” Pérez Edo es un joven ilustrador que cursó sus estudios en Florida Universitaria, especializándose en Animación 3D, Juegos y Entornos Interactivos. Esta formación le permitió abordar la ilustración desde una perspectiva multidisciplinar, integrando elementos propios de otras disciplinas artísticas como la narrativa visual, el diseño de personajes y la ambientación digital.

Esta exposición marca su debut en el ámbito artístico, siendo uno de los primeros pasos concretos en la construcción de su carrera profesional.

El trabajo fotográfico que presenta a RocartCultura 2024 nos transporta de los Estados Unidos a las islas Azores, dos tierras aparentemente lejanas, pero histórica y culturalmente ligadas a causa de la emigración.

Su obra se caracteriza por la presencia de personajes singulares y expresivos, cuya personalidad se despliega no solo a través de sus vestimentas, sino también mediante los fondos que los rodean y las texturas que dominan la composición. Cada ilustración funciona como una pequeña escena cargada de detalles, donde se refleja una profunda sensibilidad estética.

Entre las influencias más notables en su trabajo destacan el manga japonés y la estética gótica. Del manga hereda la expresividad de los rostros, la estilización de los cuerpos y la capacidad de contar historias a través de una sola imagen. Esta influencia se traduce también en la atención al diseño de personajes y en el uso de ciertos códigos visuales propios del cómic japonés. Por otro lado, la estética gótica aporta una atmósfera melancólica y misteriosa, que se manifiesta en los contrastes oscuros, los detalles ornamentales y una inclinación hacia lo romántico y lo siniestro. Esta fusión de estilos dota a su obra de una identidad visual única, que conecta con lo emocional desde un lugar profundo y sugerente.

Profesora, pensadora y realizadora. Siempre inquieta, hizo estudios doctorales en Arte e Investigación 2004-2007  en UCLM, Cuenca; Máster en Artes Visuales (Beca CAPES), UFRGS, Porto Alegre 1996-99, Especialización en Arte-Educação – Artes Plásticas (Beca FURG) / UFPEL, Pelotas; Carrera en Educação Artística Licenciatura Curta y Licenciatura Plena – Artes Plásticas -Educação Artística en Rio Grande, RS (1984-89); Profesora de la Universidade Federal do Rio Grande Institu to de Letras e Artes en donde impartió clases de Fotografía, Arte Contemporáneo y Metodología de la Pesquisa en Artes en el Curso de Artes Visuais Licenciatura.

Coordinó proyectos de investigación en el ámbito de la historia, memoria y género. Ha sido miembro del Grupo de investigación en Artes Visuais do CNPQ / BR y del Núcleo de Estudios en y sobre Arte (NEA) / FURG / BR. Ha hecho estancias Postdoctorales en Barcelona, Cuenca, Cádiz como profesora, investigadora y creadora en Programas de Movilidad de Profesores e Investigadores Ibero americanos, entre muchos otros.

Actualmente, sigue indagando, pesquisando y creando en poéticas visuales e historia, teoría y crítica, en las áreas de fotografía, arte contemporáneo y audiovisual. Crea a partir de lo estudiado, de las experiencias y desplazamientos vividos, de las relaciones humanas en su conjunto, y de todo lo contemplado.

Ha expuesto en Brasil, Francia y España. Sigue inquieta e insubordinada.

Mare Nostrum, fuerza viva.

El mar , incansable escultor de madera y piedra , devueltas a su orilla y honradas por el creador Fernando San Miguel en sugerentes figuras. 

De formación, artefinalista de diseño gráfico, este artista participa en exposiciones individuales y colectivas, así como en concursos de pintura rápida al aire libre, obteniendo varios primeros premios, uno de ellos en  la II Edición de RocartCultura en Peñíscola.  

Sus retratos de encargo  cuelgan en diferentes países , llegando incluso a Moscú y Ucrania.       

En su investigación de materiales y soportes crea sus llamadas “ esculpinturas “ en las que las obras pictóricas toman relieve 3D y un efecto de profundidad y realismo.   

En esta exposición hace un homenaje a la naturaleza viva del mar , cuya constante fuerza modela todos los materiales que habitan en él. 

Reconocido músico y actor, Zenet intercala su carrera musical con diversos trabajos en cine, teatro y televisión (Morirás en Chafarinas, La ley de la frontera, La mula, Hache, El Zorro, El ministerio del tiempo…)

Simultáneamente cultiva su carrera como terapeuta. Gracias a su familiaridad con las artes plásticas y la música se produce una confluencia natural.

Estudia Arteterapia y Musicoterapia con el instituto superior de psicología de Madrid I.S.E.P. y más tarde desarrolla su tesis:

Pertinencia de la aplicación de las arteterapias en drogodependencias. Se especializa como terapeuta en drogodependencias por la Universidad de Barcelona IL3 y como arteterapeuta y músicoterapeuta en el Instituto Superior de Estudios Psicológicos (I.S.E.P MADRID).

Actualmente, imparte sesiones de arteterapia y músicoterapia en el gabinete “El Vínculo”, dirigido por la medicopsicoterapeuta Lydia Barbas en Madrid.

La arteterapía es una actividad enfocada al descubrimiento y la transformación personal. Su objetivo es generar una búsqueda introspectiva a ráiz del material surgido en el juego artístico y encontrar respuestas.

Zenet trabaja con la técnica de la imaginación guiada, desde la voz a la respiración, desde la improvisación a la vibración. Un viajes desde el exterior al interior, desde tu cuerpo a tu mente. Con técnicas teatrales de deshinibición e interacción grupal se progresa desde el movimiento a la emoción.

Piluka Diago, nacida en Castellón es una artista multidisciplinar. Trabaja la fotografía, el collage, la performance, los haikus, los fotolibros y las nuevas formas de narración visual.

Licenciada en Comunicación audiovisual por la UAB. Ha realizado exposiciones por todo el país: Castellón, Barcelona, Madrid y también en el extranjero: Bruselas y Paris. Su obra está también representada por la galería de arte Abartium. Tiene obra permanente en Diputación de Castellón, Ayuntamiento de Aalst y coleccciones privadas. Acaba de publicar su fotolibro Elogi de l’Oblit.

En el silencio que habita entre el instante y su recuerdo, nace la mirada de Piluka, fotógrafa de lo invisible, narradora de lo fugaz. Su trabajo se sumerge en los pliegues del tiempo, donde la naturaleza no es solo paisaje, sino memoria, tránsito, desvanecimiento.

A través del lente, captura no lo que permanece, sino aquello que está por irse: la bruma que se disuelve en la mañana, la hoja que cae sin testigos, la luz que acaricia un tronco viejo por última vez. Cada imagen es una pausa, una invitación a mirar con lentitud lo que el mundo suele olvidar.

Su obra celebra la belleza del olvido: no como pérdida, sino como transformación. Las sombras que caminan entre ramas, los colores que se apagan suavemente… Todo habla de una nostalgia serena, de lo efímero que, al ser observado con atención, revela su profundidad.

Esta serie no pretende capturar la naturaleza, sino dejarse llevar por ella. Como una respiración lenta, como una despedida suave. Es un homenaje a lo que no busca ser visto, pero insiste en quedarse en el alma.

Afovima. Una Comunidad Unida por la Pasión por la Fotografía

Afovima, la Asociación de Fotografía de la Vinaròs, compartimos una pasión común: capturar momentos, emociones e historias a través de la fotografía. Desde nuestro nacimiento en plena pandemia de la COVID-19, hemos trabajado para crear un espacio en el que los amantes de la fotografía puedan encontrarse, aprender, inspirarse y expresar su creatividad.

A lo largo del año, organizamos diversas actividades que fomentan la creatividad y el compañerismo. Destaca la Liga Social AFOVINA, una competición anual con premios en metálico y trofeos, que combina la participación online con sesiones presenciales en la Casa de la Cultura. Semanalmente, celebramos tertulias fotográficas en el pub Sanse, donde compartimos y debatimos sobre fotografía. También realizamos críticas fotográficas por videoconferencia, ofreciendo comentarios constructivos para ayudar a mejorar las habilidades de nuestros miembros.

Además, impulsamos rallys fotográficos, organizamos exposiciones fotográficas, charlas y proyecciones impartidas por profesionales del sector. Una cita destacada es el Pollo Night, un encuentro anual en Castellón donde nos enfrentamos en una “batalla de gallos” con otras asociaciones fotográficas de la Comunidad Valenciana, donde AFOVINA resultó vencedora el pasado año.

Tras más de 30 años de actividad artística en la ciudad, ha llegado el momento de la jubilación de estos dos grandes artistas, Vicenta y Alfonso Manuel, que han dirigido la galería Tiziano, actualmente en la calle San Roque.

Desde RocartCultura les rendimos homenaje con la colocación de unas lonas con algunas reproducciones de obras de Alfonso Manuel y de Vicenta. Desde aquí agradecemos su constante colaboración y apoyo al festival. ¡Se os va a echar mucho de menos!

Àlex Mañé es collagista de papel y tijera desde 2018, aunque sus primeras participaciones artísticas comenzaron en 2012 dentro de distintos colectivos de arte. Desde entonces, inicia su proyecto artístico @alexcrea. Se deja llevar por la transformación y el reciclaje del arte encontrado, dando vida a mobiliario y objetos cotidianos que se convierten en sus primeras obras en 3D. En 2020, empieza a centrarse en el collage en 2D.

Se siente atraído por la creación de un mundo encriptado de mensajes por descubrir, a través de combinaciones de imágenes, palabras y frases. Trabaja temas de interés universal y atemporal: la memoria histórica, el presente y el futuro, dirigidos tanto a las generaciones actuales como a las venideras. Su objetivo principal es generar, mediante la expresión artística, reflexión, introspección, interacción y emoción en toda consciencia que desee emprender un viaje sensorial a través de sus obras.

Actualmente, Àlex se encuentra inmerso en la realización de talleres de collage, diseño de logotipos y encargos personalizados. Crea obras que narran historias personales de forma única, íntima e intransferible, con el propósito de ofrecer a sus clientes recuerdos eternos, cargados de emoción, en forma de arte contemporáneo que perdure toda la vida. Invita a quien desee cruzar los límites de su curiosidad a adentrarse en su mundo, donde la indiferencia no tiene lugar. En ese universo propio, la temática, la vivacidad cromática y la composición provocan nuevas sinapsis que pueden transportar al espectador a vivir un momento inesperado: un antes y un después, una nueva perspectiva donde lo intangible se convierte en sensación a través de la emoción.

Raquel Mendoza es artista plástica y pintora especializada en la pintura intuitiva, práctica que utiliza como medio para explorar el beneficio que tiene ésta como herramienta de autoconocimiento, exploración de las emociones y sanación.

A través de su libertad artística, Raquel invita y acompaña a otros a embarcarse en un viaje de descubrimiento personal, ayudándoles a conectar con su esencia convertiéndose en exploradores de sus propias emociones mediante la pintura y la creatividad.

Con una visión intimista, única y profundamente espontánea, el trabajo de Raquel se distingue por su carácter imprevisible y libre de estructuras rígidas. Cada una de sus obras nace desde la intuición, sin un plan preestablecido, lo que convierte su proceso creativo en un acto de descubrimiento constante. Esta apertura al azar y a lo inesperado añade un elemento de sorpresa y autenticidad que conecta directamente con la emoción del momento. El acrílico fluido, su medio predilecto, se despliega en composiciones de carácter onírico y abstracto.

Además de su labor artística, Raquel dedica parte de su tiempo a compartir su experiencia a través de talleres creativos que ella misma diseña y guía. En estos ellos, invita a los participantes a explorar sus capacidades expresivas, a liberarse del juicio y a reencontrarse con la intuición y la imaginación. Su enfoque accesible y alentador permite que cada persona se sumerja en su propia creatividad, convirtiendo la pintura en una herramienta poderosa para el crecimiento personal y la conexión emocional.

Desarrolló su amor por la pintura cuando era una niña de 5 años que vivía al lado de un pintor muy reconocido en su ciudad natal, Castellón. Aquel pintor, Chermá, le enseñó técnica, uso de los colores y a saber apreciar los cambios de la luz.

Pintó desde siempre pero de una manera autodidacta. No fue hasta 2024 con sus clases con el pintor Sergi Cambrils que descubrió la técnica y como desarrollar una voz propia.

Siempre se sintió inspirada por artistas de principios de S.XX, siendo Van Gogh su favorito. Su estilo es fresco y preciosista. Y aunque también realiza retratos, la temática vegetal es lo que más desarrolla en su obra, paisaje, flores, la luna … componen el jardín de esta artista.

Olga Del Rio Ferreres nació en Barcelona se trasladó a vivir a Palma de Mallorca. Posteriormente, se estableció en Peñíscola, ciudad en la que descubrió su faceta creativa y artística.

Comenzó su viaje artístico que marcó el inicio de un proceso de autoconocimiento. Posteriormente, amplió su formación con cursos de Especialista en Terapia con el Arte, Empoderamiento Individual y Colectivo, Pintura para la Terapia Emocional y Autoconocimiento. Además, colaboró en la publicación del libro Arte y Belleza de las Manos, una obra de pintura y poesía realizada junto a una compañera.

Olga se define como autodidacta en su práctica artística. Sus obras, principalmente realizadas con técnica de acrílico, emplean herramientas como pinceles, espátulas, papel, esponjas y sus propias manos. También explora el collage, utilizando diversos materiales como madera, tela de saco, cuerda, flores secas, ramas, arcilla, plumas, cuentas, piedras naturales, papel y cola.

Para crear sus composiciones, Olga emplea un proceso introspectivo que le permite alcanzar un estado de meditación y conexión con su feminidad, sus emociones vividas y espiritualidad.

Con su experiencia y conocimientos, Olga también imparte talleres de pintura dirigidos a niños y niñas. A lo largo de su carrera, ha expuesto su obra en mercados artesanales y medievales, por España. Estas vivencias le han brindado una valiosa experiencia personal y profesional.

Sus obras han sido expuestas en centros culturales de localidades como San Rafael del Río, Bot, Peñíscola, Amposta, Castellón, Tarragona y Olesa de Montserrat. Asimismo, ha realizado exposiciones en galerías de arte como la Galería D´art de la Catedral de Tarragona, Artek, Galería Barcelona, Istorik Galery Valencia y La Galería Azul Málaga.

La obra de Olga Del Rio destaca por su especial atractivo cromático y el misterio de sus figuras, generando un contraste que captura y cautiva la atención del espectador.

Nacida en Barcelona lleva 40 años dedicàndose a la pintura. A lo largo de los años, su técnica ha experimentado una constante evolución, fruto de una búsqueda incesante por nuevas formas de expresión. Comenzó explorando el paisaje y la marina a través del óleo sobre lienzo, capturando con maestría la atmósfera y la luz de cada escena. Con el tiempo, su obra dio un giro hacia la experimentación material, trasladando su pintura al acero y explorando las posibilidades del blanco y negro, en una propuesta más sobria y conceptual.

En la actualidad, la crítica describe su técnica como “inexistente”, no por ausencia, sino por la libertad con la que transita entre estilos y soportes. Su proceso creativo ya no se rige por normas convencionales, sino por la intuición y la experiencia acumulada a lo largo de una sólida trayectoria. Hoy trabaja tanto sobre aluminio como sobre lienzo, utilizando óleo a color y técnicas mixtas en relieve, incorporando elementos tridimensionales que invitan al espectador a sumergirse físicamente en la obra.

Su extensa carrera la ha llevado a participar en exposiciones y muestras internacionales, siendo parte activa del circuito artístico en países como España, Francia, Italia, Bélgica, Estados Unidos, China, Corea, Canadá, Suecia, Austria, entre otros.

En esta ocasión, se complace especialmente en presentar su obra en Peñíscola, en el marco del RocartCultura, compartiendo su visión y su lenguaje artístico con un nuevo público que, sin duda, sabrá apreciar la fuerza y sensibilidad de su propuesta.

Los Urbansketchers Maestrat somos un grupo de aficionados al dibujo y la pintura que desde 2016 nos encontramos una vez al mes para dibujar algún sitio del Maestrat. 

Practicamos lo que se conoce como urbansketching, es decir, dibujamos del natural, en grupo y compartimos nuestros dibujos en las redes. Usamos cualquier técnica, siempre que sea rápida, para poder transmitir la vida a nuestros cuadernos.

A nuestros encuentros puede venir cualquiera a dibujar, no existen límites ni de edad ni de nivel artístico. Además, son gratuitas y divertidas.

Hay grupos de urbansketcher en todo el mundo y estamos conectados gracias a las redes sociales. Si te gusta dibujar, no lo dudes más, ¡ven con tu material favorito y dibuja Peñíscola con nosotros! Nos encontrarás en el Casco Antiguo durante el domingo, 26 de mayo.