Poeta que incursiona en distintas artes con la poesía como eje fundamental y vital, destacando el teatro , la videocreación, la sonorización y rapsodia de sus propios poemas. Hace más de 10 años que improvisa poemas en la calle a los viandantes en una máquina de escribir turquesa casi a diario bajo el lema “tu dame el tema, yo escribo poema”en lugares de Madrid como la Cuesta de Moyano, el Rastro y Palacio de Cristal del Retiro.Ha viajado por toda España con su máquina, escribiendo en la calle, o dentro de la programación de lugares como el Centro Botín de Santander, la Noche en Blanco de Oviedo, la Feria del Libro de Ávila, o recientemente en la Fundación March de Madrid. En sus espectáculos de propia creación siempre improvisa un poema en directo con la interacción del público. Publicó en 2016 la plaquette autoeditada “El sol en la Cara” escrita íntegramente en la Cuesta de Moyano de Madrid, que reúne poemas improvisados sin corregir escritos allí. Ha colaborado con la revista digital de desarrollo personal “Abundatum” escribiendo poemas sobre temas de inquietud general. En 2024 publica la primera pista de “I Epifanía de Plutón en Acuario” disco digital de poesía sonorizada de producción musical propia. También los primeros tracks de “Kilómetros de calle y otras curvas” donde sonoriza poemas improvisados escritos en la calle todos estos años y que es de continua actualización ( ambos discos disponibles en todas las plataformas digitales) Prepara el libro de poesía “∞ Ministerio del Invisible (2015-2025) ∞“ sobre su acción en la calle. Videocreadora de distintos videoclips y videopoemas como “ Policía o Malvavisco” (2017) También desde 2007 con su primer espectáculo “Vértigos”,investiga y fusiona la poesía y el hecho escénico y distintas disciplinas artísticas como música y vídeo en espectáculos como “La Revolución de los Niños” o “Arquetípica Sonora” siempre de creación propia. Actualmente tiene dos espectáculos en activo con el Siglo de Oro como centro “Res Áurea: Escritoras del Barroco” y “Yo me sucedo a mí mismo: El poeta, en su casa” sobre la figura de Lope de Vega.

La sombrerera by Alba María Navarro nace de algo muy profundo en ella, casi de un recuerdo que siempre ha estado ahí. Desde que era pequeña, el sombrero formaba parte de su vida de una manera muy natural: veía a su madre salir de casa con sombrero, con esa elegancia sencilla que la acompañaba cada día. Sin darse cuenta, esa imagen se fue quedando en ella y despertó una fascinación que con los años se transformó en pasión.

Al principio empezó como un hobby, una forma de crear con sus manos y de explorar algo que le atraía. Pero pronto sintió que era mucho más que eso. Descubrió que hacer sombreros era una manera de expresarse y, sobre todo, de contar historias.

Cada sombrero que nace en su taller es el resultado de un proceso de creación pausado y profundamente artesanal. No entiende de producciones en serie; para ella, la excelencia reside en el respeto a los tiempos de cada material y en la precisión de cada puntada. Su filosofía se basa en la convicción de que cada pieza debe ser única y exclusiva, reflejando la irrepetible individualidad de quien la viste.

Por ello, su proceso creativo comienza siempre con el encuentro: le apasiona conocer a la persona, descifrar su esencia y captar esos matices de su personalidad que no se ven a simple vista. Solo así logra que el diseño se convierta en un espejo fiel del alma de quien lo luce. Hoy, siente que cada creación que sale de sus manos ha dejado de ser un simple objeto para transformarse en una pequeña historia con volumen y forma. Es un relato vivo que honra la inspiración original de su madre y que cobra un nuevo sentido en las manos de cada cliente, continuando un legado de elegancia y sentimiento.

No se trata solo de sombrerería, sino de la creación de un emocional patrimonio que cada persona completa al vestir la pieza.

En el trabajo de Lola Tajahuerce son importantes varios elementos que siempre están presentes en sus obras: el color, las iconografías personales y el círculo como constante en su pintura desde hace décadas.

El color siempre vitalista, con armonías afines y complementarias, nada es al azar. Es un estudio minucioso para que las obras resulten dinámicas y equilibradas.

Los temas, se remiten a motivos que han marcado la infancia y juventud de la artista, con una exhaustiva búsqueda en revistas antiguas, libros, internet, cómics… Todos los elementos se entrelazan con la figura del círculo en diversos tamaños según la proporcionalidad de la obra.

Los formatos que utiliza en muchas pinturas son redondos y refuerzan de nuevo el concepto de círculo. Los formatos cuadrados contrastan y acotan la circularidad siempre presente.

La técnica siempre es plana con acrílico, a veces utilizando imágenes para collage. Todo carente de modelado y de textura, remitiendo así a la estética del Pop-Art.

Las últimas series trabajadas son: Memoria en espiral y Onomatopeyas que proceden de la publicidad y del cómic. Las imágenes a veces son sólo un extra añadido a las voces que expresan. Son una imitación de sonidos que se corresponden con la voz, son una dimensión para estimular el sentido auditivo y visual en sí mismos. Lo significativo, no solo es la imagen: es la palabra, que marca el ruido, la explosión, el choque… Son adaptaciones de la expresión plástica al cine, impactos sordos pero decisivos, que gritan cinetismo y narrativa, recordándonos que el cine en su esencia más pura, es imagen en movimiento. Son un storyboard condensado.

Fotógrafa, diseñadora y artista multidisciplinar cuya obra trasciende la mera captura de imágenes para convertirse en una exploración profunda de las historias y emociones humanas.

A través de su lente y sus ilustraciones, Laura busca no solo retratar lo que ve, sino también lo que siente y percibe de sus sujetos. Su trabajo es un viaje constante entre la realidad y su interpretación personal, creando una fusión única entre la fotografía y la Inteligencia Artificial como documento y como expresión artística. Ulalalau invita a los espectadores a cruzar la frontera entre lo visto y lo imaginado, entre lo antiguo y las últimas tecnologías. Cada imagen es un relato, una ventana a las vivencias y la historia detrás de cada imagen. En el mundo que Laura imagina y crea no solo revela la imagen de sus sujetos, sino también su esencia y espíritu.

Art Vivendi es un proyecto que nace del deseo de liberar la fotografía y la ilustración del enmarcado fijo, de dejarla respirar, fluir y habitar otros cuerpos. Tras años de trabajo con la fotografía y la imagen digital, la artista sintió la necesidad de que las obras no solo se miraran, sino que se tocaran, se vistieran, se integraran en la vida cotidiana.

Hija y nieta de sastres, ha crecido entre telas, patrones y gestos que aún guarda en la memoria de las manos. Por eso, para ella, envolver una imagen en seda no es solo una decisión estética, sino una forma de rendir homenaje a esa herencia familiar y afectiva. Este proyecto conecta dos extremos de la historia: desde el siglo VIII en Japón, cuando la nobleza envolvía sus prendas en finos furoshikis de seda para transportarlas a los baños imperiales, hasta la inteligencia artificial de 2025, con la que genera imágenes que combinan lo simbólico, lo onírico y lo sagrado. Cada furoshiki es una pieza viva. Puede colgarse en una pared o anudarse al cuerpo. Es una obra que se transforma, que viaja, que habita el mundo.

El cine, antes de ser movimiento y sonido en la penumbra de una sala, fue siempre una promesa impresa sobre papel. Durante las décadas que van desde los años cincuenta hasta los ochenta, la publicidad cinematográfica no solo cumplía una función informativa, sino que se erigía como un arte del reclamo capaz de detener al viandante frente a una marquesina o de capturar la mirada del lector entre las columnas de un periódico. Esta colección de carteles y anuncios de prensa nos invita a redescubrir esa ventana de papel, un espacio donde la tipografía, la ilustración y el montaje fotográfico convivían para destilar la esencia de una película en una sola imagen fija.

Al recorrer estas piezas, asistimos a la evolución de un lenguaje visual que oscila entre la calidez artesanal y la precisión técnica. Encontramos, por un lado, la herencia de la comedia y el cine de género, donde el trazo libre de la ilustración y el uso del color vibrante buscaban la complicidad del espectador a través de la picardía o el romance. Es el mundo de las figuras recortadas y las composiciones dinámicas que, con un ingenio casi arquitectónico, lograban presentar a todo un elenco de estrellas en un equilibrio perfecto. En el extremo opuesto, la exposición nos sitúa frente a la magnitud del espectáculo moderno, ejemplificado en la simetría y el futurismo de obras maestras que transformaron el cartel de cine en una pieza de diseño vanguardista, capaz de sugerir dimensiones filosóficas y espaciales con una fuerza visual sobrecogedora.

Más allá de los grandes formatos, los anuncios destinados a la prensa escrita que completan esta muestra ofrecen un testimonio fascinante de la vida cotidiana de aquellos años. Eran pequeñas joyas de síntesis que, despojadas a veces del color, confiaban todo su impacto a la composición y al contraste, recordándonos que el cine era entonces el gran evento social de la semana. Estos fragmentos de papel recuperados son, en definitiva, el rastro de nuestra propia memoria colectiva; un recordatorio de que, durante mucho tiempo, los sueños empezaban mucho antes de que se apagasen las luces, justo en el momento en que nuestros ojos se posaban sobre un cartel.

La historia de Elige 3D en el sector de la fabricación de corpóreos comenzó cuando Iván decidió emprender, iniciando su trayectoria con la construcción y venta autodidacta de impresoras 3D. En su camino se cruzó Nuria, una artista detallista y talentosa con quien identificó la oportunidad de expandir su actividad hacia la creación de corpóreos con fines publicitarios y de decoración.

Durante años, ambos trabajaron en el crecimiento de la empresa hasta que, en 2020, un desafío global inesperado situó a Elige 3D ante momentos complicados. Fue en ese contexto cuando Iván y Nuria conocieron a Javier, con quien decidieron unir fuerzas para reconstruir la firma y consolidar una estructura empresarial más fuerte y sostenible.

Elige3D es una empresa dedicada a la impresión 3d que lleva la impresión a otro nivel, uniendo la tecnología y el arte para crear piezas únicas. Lleva más de 7 años ayudando a empresas, agencias y creativos a transformar sus ideas en figuras reales, impactantes y personalizadas.

Está especializada en el sector del cine y la publicidad, trabajando para grandes marcas y estando presente en grandes eventos como Los Goya, premiers de series y películas tanto nacionales como internacionales, llevando siempre por bandera su sello inconfundible que es la realización de piezas impactantes trabajadas en tiempo récord. También han realizado piezas para parques temáticos y exposiciones.

Les apasiona el diseño, dominan la fabricación 3D y cuidan cada detalle del proceso: desde la consultoría inicial hasta la entrega final. Su compromiso es claro: crear piezas únicas que generen visibilidad, emoción y resultados. Su equipo multidisciplinar ha hecho que sea referente en su trabajo, siendo de las primeras empresas en realizar piezas de gran formato impresas en 3d, post-procesadas y pintadas de manera profesional. Actualmente su sede está en Madrid, aunque se siente orgullosa de ser de la “Terreta”.

Profesora: Mireia García Pastor. Alumnos: Juan Beltrán, Julia Castillo, Josette Chaperon, Lidia Chantrain, Raquel Cuesta, Francisca Fernández, Vanessa Ferrer, Isabel Gallardo, Odile G. García, Jorge Muñoz Giménez, Aurelia Martín, Nerea Marínez, Esperance Murcia, Paco Vallés.

El Arte de Reimaginar: El Cine a través de la Mirada de nuestra escuela.

El cine no es solo movimiento; es una imagen estática que se queda grabada en la memoria. Todos recordamos ese cartel que nos hizo soñar con galaxias lejanas, romances imposibles o intrigas bajo la lluvia. Hoy, esa memoria colectiva se viste de pincel y lienzo en esta exposición única, donde los verdaderos protagonistas son los integrantes de la Escuela de Pintura la Universidad Popular de Peñíscola.

Esta exposición no es solo una colección de cuadros; es el testimonio del crecimiento artístico de nuestros vecinos. Los alumnos y alumnas de la escuela han asumido un reto mayúsculo: despojarse de la imagen comercial de los grandes clásicos para ofrecernos su propia interpretación.

En cada trazo y en cada elección cromática, se percibe la identidad de quien sostiene el pincel. Aquí, el aprendizaje se convierte en maestría y la técnica en emoción. La importancia de este catálogo reside en el esfuerzo individual y colectivo de un grupo que ha sabido trasladar la magia del séptimo arte a la identidad de nuestro municipio.

En esta muestra de arte se podrá encontrar: Interpretaciones audaces de clásicos del cine reimaginados bajo estilos que van desde el realismo más detallado hasta la abstracción vibrante. El diálogo entre artes; cómo la pintura dialoga con el diseño gráfico original; aportando texturas y matices que solo la mano humana puede lograr. La huella de Peñíscola: El orgullo de una ciudad que respira cine y que ahora ve cómo sus propios ciudadanos se convierten en los creadores del imaginario visual de sus películas favoritas.

“La pintura es otra forma de hacer cine; es detener el tiempo en un fotograma infinito.”

Detrás de cada cartel hay horas de dedicación, de estudio de la luz y de pasión por el arte. Esta exposición es, por encima de todo, un homenaje al talento de los alumnos de la escuela.

Su obra y proceso creativo irrumpieron en su vida de forma abrupta consecuencia de una lesión espinal cuya recuperación fue de la mano del descubrimiento de la pintura intuitiva.

Su trabajo, de carácter intimista, se centra en experimentar los beneficios de la pintura intuitiva como herramienta de sanación emocional a través de la libertad artística.

De esta manera explora la creatividad de forma espontánea, sin reglas ni errores, observando el efecto que provocan el uso de todo tipo de herramientas y utensilios cotidianos, materiales y técnicas; así como la influencia del uso de prácticas como la meditación y el autoconocimiento del movimiento de la energía a través de los puntos energéticos del cuerpo durante el proceso creativo.

Esta suma de factores le hacen creer en el gran poder de transformación y liberación de la creatividad como herramienta de autoconocimiento que refleja en sus obras de gran formato sobre lienzo, donde el acrílico fluido es el protagonista bajo una temática onírica y abstracta. Su obra y proceso es una muestra de la libertad creativa de permitir que el alma exprese aquellas emociones que el cuerpo calla.

En sus obras reflexiona sobre temas de actualidad y pensamientos profundos sobre el presente y el futuro inmediato: La resistencia ante las tecnologías, al mundo virtual, a invertir tiempo y energía en lo que no es palpable, lleva a cuestionarse dónde queda la esencia humana en este tsunami imparable de avance tecnológico.

Sus obras recientes plasman un ecosistema en el que se ha de conectar la parte material y virtual con la espiritual, con lo que supera a la esencia humana en un mundo que está siendo engullido por la IA.